El cuerpo revelado: Magia y trashumancia para una pedagogía de la singularidad en la danza

Abstract

Llegué a la Maestría en Educación Artística en la Universidad Nacional de Colombia con un sentimiento que desde siempre me ha invadido: después de una fuerte crisis profesional me sentía nuevamente desarraigada. Sin embargo, para mi se trata de una experiencia común: mi padre es migrante italiano y transitar entre mundos, cambiar continuamente mi perspectiva es una experiencia de orden cotidiano para mi. Confieso que en primer semestre ese sentimiento de desarraigo fue muy fuerte: no sabia muy bien qué camino tomar en mi investigación y silenciosa asistía a clase recogiendo de allí́ todo lo que más podía. Sin embargo, en segundo semestre tuve un hallazgo que impulsó todo mi trabajo. En una de las tantas tareas relativas a la construcción de un archivo, me encontré́ con una imagen que me afectó de forma profunda. La imagen es una fotografía captada durante un campeonato de tango en el año 2018 y retrata a las mujeres de la compañía de baile que estaba concursando en esa ocasión. Durante el acto, todas las mujeres estaban con el mismo vestido y peinado, con la misma expresión en el rostro. Entre esas bailarinas estaba yo; pero lo realmente impactante de mi encuentro con esta fotografía fue que durante varios minutos me confundí́ a mi misma con otra compañera. Me di cuenta entonces de que una de las tantas violencias ejercidas por la disciplina de la danza durante el proceso de formación es el sacrificio de la expresión singular de los bailarines para ajustar sus cuerpos a unos parámetros de uniformidad y perfección esperados: en este proceso la mirada vigilante de los maestros impide el desarrollo de una danza propia y singular. Mi proceso de investigación se ha preguntado sobre cómo a través de los procesos pedagógicos y artístico- creativos los bailarines puedan conservar e incorporar a su práctica su expresión singular: cómo el ser auténtico puede revelarse y aparecer en el movimiento y no borrarse u ocultarse, que es lo que finalmente sucede en los procesos formativos actuales. A lo largo del proceso investigativo formulé que aquello que puede hacer singular la danza tiene que ver con aquello que hace singular la vida: nuestra propia experiencia construida, a su vez, por una perspectiva o una mirada particular. Tener por ejemplo, la experiencia de haber visto el mar y que en nuestra memoria se construya una imagen particular de dicha experiencia permite que tengamos una recordación almacenada, como otras, en la memoria del cuerpo. En mi teoría, el primer paso para llegar a la expresión singular es entonces coleccionar estas imágenes y experiencias de vida: el bailarín debe ser un trashumante, que coleccionando experiencias e imágenes a través de la contemplación, hace de su cuerpo un palimpsesto donde están superpuestas estas memorias. Al llegar al aula de danza priman dos actos de lo que yo he llamado magia o nigromancia: dichas imágenes coleccionadas deben ser evocadas para que puedan aparecer y resucitadas a través del cuerpo. Hablando de la misma experiencia del mar, podemos evocar a través de los sonidos del mar, de poemas relativos a esta experiencia, a través de fotografías o imágenes en movimiento, del olor del salitre. Esta evocación hará́ que la imagen surja nuevamente. Cuando la imagen surge se invita a los alumnos a corporizarla, trabajando individualmente para resucitarla a través del cuerpo. En la parte final de la clase sucede la aparición o revelación: cada alumno hace de su cuerpo una imagen que revela su experiencia, mirada y perspectiva con respecto al tema propuesto. Sucede allí́ una aparición de sí mismo o de sí misma que apoya el desarrollo de su expresión singular. La verdadera maestría en el arte de la danza está en permanecer en estado de suspensión entre sí mismo/a y la imagen que estamos intentando revivir o revelar: hay allí́ un deseo, un reconocimiento y aparearse con esa imagen construye una puerta que nos conduce a la revelación de nosotros mismos a través del cuerpo. Pendular entre la imagen y la experiencia que se ha tenido de ella hace del bailarín un acróbata que es capaz de atravesar capas y a la vez, de regresar a sí mismo/a. (Texto tomado de la fuente)

I reached the Master in Artistic Education at the National University of Colombia with a feeling that has always invaded me: after a strong professional crisis I felt again uprooted. However, for me it is a common experience: my father is an Italian migrant and traveling between worlds, continuously changing my perspective is an experience of daily order for me. I confess that in the first semester that feeling of uprooting was very strong: I did not know very well what path to take in my investigation and silently attended class picking up from there everything I could. However, in the second semester I had a find that boosted all my work. In one of the many tasks related to the construction of an archive, I found an image that affected me deeply. The image is a photograph captured during a tango championship in 2018 and portrays the women of the dance company that was competing on that occasion. During the act, all the women were wearing the same dress and hairstyle, with the same expression on their faces. Among those dancers was me; but the really shocking thing about my encounter with this photograph was that for several minutes I mistook myself for another companion. I realized then that one of the many violence exercised by the discipline of dance during the training process is the sacrifice of the singular expression of the dancers to adjust their bodies to parameters of uniformity and perfection expected: in this process the watchful eye of the teachers prevents the development of a dance of its own and singular. My research process has asked about how through the pedagogical and artistic-creative processes dancers can preserve and incorporate into their practice their singular expression: how the authentic being can be revealed and appear in the movement and not erased or hidden, which is what finally happens in the current formative processes. Throughout the research process I stated that what can make dance unique has to do with what makes life unique: our own experience built, in turn, by a particular perspective or look. Having, for example, the experience of having seen the sea and that in our memory a particular image of that experience is built allows us to have a memory stored, like others, in the memory of the body. In my theory, the first step to reach singular expression is then to collect these images and life experiences: the dancer must be a transhumant, who collecting experiences and images through contemplation, makes your body a palimpsest where these memories are superimposed. Upon arriving at the dance hall two acts of what I have called magic or necromancy prevail: such collected images must be evoked so that they can appear and resurrected through the body. Speaking of the same experience of the sea, we can evoke through the sounds of the sea, of poems related to this experience, through photographs or moving images, of the smell of saltpeter. This evocation will make the image arise again. When the image arises, students are invited to embody it, working individually to resurrect it through the body. In the final part of the class the appearance or revelation happens: each student makes of his body an image that reveals his experience, look and perspective regarding the proposed subject. There happens an appearance of himself or herself that supports the development of his singular expression. IX The true mastery in the art of dance is in staying in a state of suspension between yourself and the image we are trying to revive or reveal: there is a desire, a recognition and mating with that image builds a door that leads us to the revelation of ourselves through the body. Pendular between the image and the experience that has been had of her, makes the dancer an acrobat who is able to cross layers and at the same time, to return to himself or herself