Maestría en Educación Artística

URI permanente para esta colecciónhttps://repositorio.unal.edu.co/handle/unal/82391

Examinar

Mostrando 1 - 20 de 109

Cuerpo y escena; ejes y funcionamiento de cuerpos interpretativos inmersos en campos pedagógicos y artísticos
(Universidad Nacional de Colombia, 2026) Torres Beltran, Daniel Sebastian; Rodriguez, Mary Isbel
Este trabajo de grado, titulado Cuerpo y escena; ejes y funcionamiento de cuerpos interpretativos inmersos en campos pedagógicos y artísticos, explora el cuerpo como territorio de experiencia, memoria, movimiento, dolor y creación, a partir de la relación entre danza, educación artística y fisioterapia. La investigación surge de una experiencia corporal marcada por la práctica escénica, la docencia y una lesión de columna que transforma las posibilidades de movimiento y obliga a reconsiderar la manera de habitar, interpretar y comprender el cuerpo. Desde esta experiencia, el cuerpo deja de ser entendido únicamente como estructura anatómica y se configura como un sujeto sensible, situado y capaz de producir significado. El trabajo articula elementos autobiográficos, poéticos, pedagógicos y conceptuales para aproximarse al concepto de cuerpo interpretativo, entendido como un cuerpo que no solamente ejecuta movimientos, sino que percibe, recuerda, se adapta, comunica e interpreta su contexto. Para ello, se establece un diálogo con la fenomenología del cuerpo de Maurice Merleau-Ponty, el modelo biopsicosocial de George Engel, los planteamientos sobre control y adaptación del movimiento de Nikolai Bernstein y Karl Newell, los estudios sobre dolor de Lorimer Moseley y David Butler y las perspectivas de educación somática de Moshe Feldenkrais y Thomas Hanna. A partir de la experiencia corporal y pedagógica, se propone una pedagogía sensorial que sitúa la escucha, la percepción, la respiración, la exploración del movimiento y la experiencia del estudiante como elementos fundamentales del aprendizaje artístico. La propuesta cuestiona una enseñanza centrada exclusivamente en la técnica y plantea el aula como un espacio de encuentro donde los cuerpos puedan reconocerse, expresarse y construir sus propios territorios de movimiento. El trabajo concluye que la transformación de las posibilidades corporales no implica necesariamente la desaparición del movimiento, sino la construcción de nuevas maneras de habitarlo. Desde esta perspectiva, el dolor, la pausa y la limitación corporal se convierten en experiencias capaces de generar conocimiento, sensibilidad y nuevas formas de creación y enseñanza. El cuerpo interpretativo aparece así como un cuerpo en permanente construcción, capaz de reorganizarse, resignificar su experiencia y convertir el movimiento en una posibilidad de encuentro consigo mismo, con los otros y con el contexto. (Texto tomado de la fuente)
Restringir / soltar / unir : tácticas oscuras para abrazarnos. Hacia una pedagogía del consentimiento para perder el control
(Universidad Nacional de Colombia, 2026-08-14) Fonseca Herrera, Vera; Vargas Arbeláez, Maria Isabel; Rodríguez Reyes , Mary Isbel; Lezaca de Paz, Jesús Alberto; Bueno Mora, Andrés Camilo
Hablar con los ojos, caminar con las caderas, desarmar un abrazo o moverse al ritmo del pulso compartido. Son algunas de las posibilidades de diálogo que denomino Prácticas Mutantes: ejercicios performativos y pedagógicos que vinculan a dos o más cuerpos mediante dispositivos de restricción que, habilitan experiencias de reconocimiento mutuo donde se ponen en juego la tensión, la interdependencia y el consentimiento. En ese encuentro de los cuerpos, los dispositivos invitan al movimiento con gestos adaptados que permiten abrazar la mutación, la extrañeza del cuerpo próximo y mutar en unidad. (Texto tomado de la fuente)
Provocaciones enmarañadas para bailar en compañía : allí donde el cuerpo escucha
(Universidad Nacional de Colombia, 2026) Salazar Ballén, Johanna Carolina; Triana Morales, Clara Patricia; Mejía Arias, Sofia
Esta investigación nace del deseo de desplegar la experiencia y compartir los saberes que emergen en el tránsito entre la danza, la pedagogía y la vida. La experiencia aparece aquí como una trama viva que enmaraña las historias, los encuentros, los aprendizajes y las preguntas que van surgiendo en el bailar. Cada vez que una historia se encuerpa y es contada, sus rastros se actualizan y vuelven a ponerse en movimiento Mi intención es tejer una multivocalidad que une las voces de la artista, la educadora, la madre, la aprendiz y la comunidad que me habitan. Estas voces se encuentran, se escuchan, se contradicen, se acompañan y bailan juntas una manera de comprender el cuerpo, el encuentro y el movimiento. En ese entramado emerge la provocación como una apuesta pedagógica que convoca la presencia, despierta la atención y gesta el espacio para una danza acompañada. A través de la provocación se convoca la curiosidad y se moviliza la percepción para generar que la experiencia surja. Cada propuesta abre un territorio de exploración donde los cuerpos descubren caminos singulares para relacionarse con el movimiento, con el espacio y con las demás, con lo interno y el entorno. Allí emergen los cuerpos impares: cuerpos que expanden las posibilidades de la danza, alteran las formas establecidas de percibir y crean nuevas maneras de bailar en compañía. La investigación–acción–creación abraza este trabajo como una forma de habitar el conocimiento. Investigar invita a escuchar la experiencia y acompañar las preguntas que nacen de ella. Actuar implica poner el cuerpo en relación y comprometerse con el encuentro. Crear permite que de esas relaciones surjan nuevas formas de pensamiento, movimiento y sensibilidad. La experiencia, la acción y la creación conforman así una correspondencia que hace de la palabra danza y de la danza conocimiento Me atrevo a una escritura sensible que se encuerpa y participa de este movimiento. Relatos, memorias, reflexiones y provocaciones somáticas se entrelazan para invitar a quien lee y a quien escucha a formar parte del encuentro. Cada texto busca activar la imaginación corporal, despertar resonancias y abrir espacios de encuentro con la experiencia narrada. Sentir, pensar y bailar despliegan voces que se anudan en una búsqueda compartida que pretende entender ¿cómo la provocación permite una danza comunitaria? Propongo con esta pesquisa una pedagogía que reconoce la juntanza como territorio fértil para el intercambio de saberes. Una pedagogía que cultiva la presencia genuina, acoge la sorpresa, acompaña los desvíos y encuentra en los desconfortos (incomodidades e iconformidades) oportunidades para responder y corresponder. Un espacio donde cada cuerpo puede saberse sostenido, acompañado y entretejido con otros, mientras descubre sus propias maneras de moverse, crear y habitar la danza. (Texto tomado de la fuente)
Canaleteando la tonga : cuerpo y territorio como caminos de aprendizaje
(Universidad Nacional de Colombia, 2026) Anselmo Quiñones, Carlos Alexis; Londoño Bernal, Moisés; Rodríguez, Mary Isbel
¿Cómo se aprende y se enseña danza cuando el cuerpo es el primer libro y el territorio la primera escuela? Esta investigación nace de esa pregunta y del deseo de comprender cómo se configura mi ser artista/docente desde los saberes y prácticas que emergen en Tonga. En San Luis Robles, nuestra comunidad, Tonga es el lugar donde el trabajo, la palabra y el cuerpo se encuentran. Es un espacio de aprendizaje que implica hacer, acompañar y sentir el ritmo del otro. Estas formas de enseñanza habitan nuestras tradiciones, donde el conocimiento se comparte en movimiento y en comunidad. Desde el siglo XX en Colombia, el tránsito de las comunidades negras hacia la ciudad ha sido constante. En ese recorrido, se encontraron con una educación que separa el cuerpo de la palabra y el saber de la experiencia. Con estos cuerpos, las costumbres y los saberes también se desplazaron, dando lugar, entre muchas prácticas, a espacios colectivos de danza afro que se convirtieron en Tongas urbanas, donde el cuerpo continuó siendo libro y la comunidad, territorio. En mi propio tránsito, del monte al asfalto, llegué a una de ellas. Allí comprendí que la Tonga no desaparece: se transforma. Canaletear la Tonga es avanzar con los saberes, mantenerlos en tránsito, permitir que se adapten sin perder su raíz. Desde un enfoque autoetnográfico y una práctica artística situada, esta investigación reconoce mi ser artista/docente y explora la Tonga como un tejido de sentidos que abre nuevas preguntas y posibilidades para comprender la formación en danza desde la experiencia y el vínculo comunitario. (Texto tomado de la fuente)
Derivas de un cuerpo docente o mi cuerpo no es neutro
(Universidad Nacional De Colombia, 2026) Márquez Lasso, María Camila; Vargas Arbeláez, María Isabel; Rodriguez Reyes, Mary Isbel
Esta investigación-creación parte de una experiencia encarnada: el cuerpo de la educadora-artista en la tensión del contexto escolar. A través de lo que denomino una Dramaturgia de la congoja, se propone una cartografía de la raíz y el cuerpo que se fractura ante las imposiciones institucionales. Desde mi lugar como bailarina y docente, exploro el cuerpo no como una herramienta neutra, sino como un territorio simbólico de memoria y resistencia frente a la cosificación académica. A partir de conceptos como corpografía, currículo oculto y el devenir cyborg, se plantea una mirada crítica al silenciamiento y control del cuerpo en la escuela. La tesis rastrea las ausencias y presencias corporales, proponiendo un "hackeo" a las gramáticas tradicionales de la educación para transitar hacia una ética de la presencia. El estudio reflexiona sobre cómo habitar el aula desde la vulnerabilidad y la memoria encarnada, buscando reconfigurar el encuentro docente-estudiante más allá de la norma. Finalmente, se indaga en la subjetividad de las nuevas generaciones, proponiendo una pedagogía sensible capaz de motivar y transformar la labor docente sin que el cuerpo muera en el intento. (Texto tomado de la fuente)
Desde lo inadvertido : curiosidad, observación y diálogo entre arte y ciencia
(Universidad Nacional de Colombia, 2026-06) Posada Villegas, Manuela; Schlenker Monsalve, Juana; Posada Villegas, Manuela; Merchan Reina, Harold Camilo
Este proceso de investigación se fundamenta en los diálogos entre el arte y la ciencia, sin que uno de estos sea necesariamente el punto de partida. Explora cómo la observación genera imágenes, preguntas, reflexiones sobre el mundo que nos rodea. Inicia con “bichos”, seres que con frecuencia pasan desapercibidos, y con elementos de observación que, más que funcionar como recursos para la didáctica, buscan suscitar la curiosidad. Se plantea la curiosidad como parte esencial del método investigativo, curiosidad como la exploración de la imagen, curiosidad como nodo de conocimiento y puente entre diversas disciplinas y formas de razonamiento. Propone sensibilizar la mirada, transitar desde lo micro hasta lo macro, y comprender la observación como una puerta hacia la interdisciplinariedad. Desde allí, se configuran diálogos que aportan a la educación y a la construcción de nuevas formas de creación y de comprensión del entorno. (Texto tomado de la fuente)
Ombligo desbordado : trayectos corpóreos imaginales
(Universidad Nacional de Colombia, 2026) Delgado Andrade, César; Mejía Arias, Sofía; Vardu; Vargas Jaimes, Dubán Ricardo; Reyes, Rosa
Este trabajo de grado parte de mi experiencia como persona y sujeto migrante para indagar en los relatos de arraigo y amor por el territorio, particularmente en torno a Tangua. A través del sentipensar, recupero los recuerdos de las visitas realizadas durante la maestría, así como los saberes aprendidos en el hogar, la educación recibida y los procesos culturales que han enriquecido mi formación. La investigación recoge acontecimientos significativos de mi trayectoria como estudiante y artista, articulando tradición, territorio, ciudad y contemporaneidad como movimientos, vivencias y experiencias transformadoras. Es, finalmente, un caminar junto a las maestras y el territorio, desde el cual se exploran formas diversas de encuentro, cuidado y construcción de comunidad. (Texto tomado de la fuente)
Vamos por partes : relatos de un cuerpo fragmentado
(Universidad Nacional de Colombia, 2026-06-11) Monroy Gómez, Isabella; Triana Morales, Clara Patricia; Schlenker Monsalve, Juana; Bonza Gonzalez, Daniel Mauricio
Este trabajo nace del encuentro entre memoria, cuerpo y arte. Parte de la convicción de que el cuerpo no es solo materia ni herramienta, sino un territorio vivo que conserva experiencias, inscribe huellas y transmite saberes. Desde allí, propongo pensarlo como una inteligencia múltiple: un espacio donde lo espiritual, lo social, lo anatómico, lo sensible se entrelazan para dar lugar a aprendizajes encarnados. La investigación adopta un enfoque autoetnográfico y sensible, en el que la experiencia personal, los relatos y las prácticas artísticas se convierten en caminos de indagación. Se explora cómo el cuerpo al ser habitado conscientemente funciona como un archivo que conserva y activa saberes y reflexiones las cuales abren nuevas posibilidades pedagógicas. Los resultados de esta búsqueda nos llevan a evidenciar que el cuerpo no solo acompaña el aprendizaje, sino que constituye en sí mismo una forma de conocer (el mundo, a los otros y a sí mismo) y una manera de resistir dinámicas educativas que fragmentan o silencian lo sensible. Así, se propone comprenderlo como un territorio múltiple, fértil y creativo, capaz de transformar la educación en un espacio más humano y sensible. (Texto tomado de la fuente)
Manual dorado de pintura para restaurar un autorretrato
(Universidad Nacional de Colombia, 2026) Bolívar-Barón, Diana Catalina; Triana Morales, Clara Patricia; Rodriguez Reyes, Mary Isbel; Triana Morales, Clara Patricia [0000000249008148]; Bonza, Daniel Mauricio
Este manual dorado de pintura para restaurar un autorretrato es una investigación-creación desarrollada en el marco de la Maestría en Educación Artística de la Universidad Nacional de Colombia. Propone la enseñanza de la pintura —específicamente el retrato y el autorretrato— como práctica pedagógica restaurativa, situada en la intersección entre el aula académica, el taller comunitario y los espacios de justicia juvenil restaurativa en Bogotá. La investigación parte de una pregunta por la historicidad de los materiales, los cuerpos y las imágenes, y traza una genealogía del miedo pedagógico desde el Barroco neogranadino hasta las aulas contemporáneas. A través de tres ejes -el Génesis, el Taller Confesional y la Cocina-, el contramanual articula la colonialidad de la imagen, la pedagogía del cuidado y la ética restaurativa como marcos para comprender cómo la violencia se inscribe en los cuerpos que aprenden, y cómo la práctica pictórica puede convertirse en un acto de resignificación, responsabilización y construcción de paz. La metodología combina la investigación-creación, la escritura autobiográfica y la práctica pedagógica directa con jóvenes en conflicto con la ley y mujeres víctimas de violencia intrafamiliar. El resultado no es una técnica pictórica convencional, sino un dispositivo pedagógico que entiende el cuerpo como lienzo, el aula como confesionario y la pintura como acto político, colectivo y reparador. (Texto tomado de la fuente)
Florecer entre las grietas de la marioneta : autoetnografía del tránsito hacía el cuerpo sensible
(Universidad Nacional de Colombia, 2026) Ruiz Rua, Laura; Rodríguez, Mary Isbel
Una vez conocí a una mujer maravillosa. Estábamos en la Academia del Teatro Barajas, en clases de danza y, de hecho, lo que estoy a punto de contarte pasó poco después de haberla conocido. Se llama Luisa —o Lu, como prefería que la llamáramos—. Lu es sorda. No “discapacitada”, no “sordomuda”; simplemente sorda. Para mí, Lu es una mujer con superpoderes. No volaba ni atravesaba paredes, pero hacía algo mucho más extraordinario. El impacto de conocerla fue un sismo lento. Al principio, fue una anécdota de academia de danza; hoy es la grieta por donde se filtra toda mi investigación y, honestamente, el cuestionamiento de mi propia existencia. O bueno, por lo menos mi existencia en cuanto al arte. Aunque si lo pienso mejor, el arte ha estado tatuado en mí desde que era niña, así que sí: podría decir que toda mi existencia. Recuerdo que estábamos empezando un nuevo ciclo; si mal no estoy, era el de danza típica colombiana. Estaba con mi amiga Sofía bromeando frente a los espejos, esos que después de un tiempo quise evitar pues al mirarme frente a ellos no me podía recordar. Estábamos en ese caos previo al ensayo, hasta que el profesor Charly puso la música a andar. Fue entonces cuando, por el rabillo de mi ojo, vi a Lu danzar. Era algo de admirar, seguía el compás de la música casi que con una perfección innata. Un tiempo atrás, ya le habíamos preguntado: ¿Cómo logras bailar con tanta precisión sin poder oír? Y ella con una sonrisa gigante y sus manos, dibujó las palabras: Siento la vibración de la música en mis pies. Solo que esta vez, cuando nos volvió a responder de la misma forma, despertó algo en mí; algo que desde hacía tiempo gritaba en mi interior y yo no escuchaba con claridad. Dispuesta a intentarlo, me quité las medias con el único fin de sentir. En cuanto la música volvió a estallar en el salón, cerré los ojos y traté de capturar esas ondas invisibles con mis pies. Me esforcé, busqué sentir algo, así hubiese sido un leve cosquilleo en la punta de mis dedos... pero no sentí nada. Entiendo que los sentidos de Lu se activan de una manera distinta, pero en mi mente solo rondaba una pregunta: ¿por qué yo no sentía al hacer algo que amaba? o ¿siquiera me estaba sintiendo a mí? Incluso, de modo más extremista, me pregunté, ¿estoy viva? Poco después llegó un detonante que me dio directo al estómago. La academia promocionaba cursos de vacaciones cada año y la foto elegida para la nueva publicidad fue una en la que yo salía bailando con mi amiga Catalina. El problema no era que yo apareciera, sino cómo aparecía. Al principio me reí a carcajadas, pero el eco de esa risa se transformó pronto en un nudo de malestar. Mientras Catalina sonreía —y no por compromiso técnico, sino porque la alegría se le escapaba por los poros—, yo mostraba una cara totalmente desconocida para mí. Se me veía tensa, excesivamente concentrada. Seguramente, en vez de disfrutar el baile, estaba más preocupada por ejecutar una presentación perfecta. Estaba tan seria que mis ojos, que para colmo miraban hacia el piso, parecían querer atravesar el suelo. ¿Por qué no podía disfrutarlo sin la obsesión de parecer perfecta?, me dije a mí misma. La duda no se quedó solo en esa foto. Como ya mencioné, el arte ha habitado en mí desde siempre; incluso me atrevo a decir, con el mayor de los orgullos, que soy una mujer interdisciplinar y polifacética. Mientras muchos profesores me pedían elegir una sola opción, yo me negaba a soltarlas todas. Para ponerte en contexto: a los cinco años aprendía a tocar el piano y, a la par, percusión... Ah, y casi lo olvido, también aprendí a tocar el cuatro. Después me vi envuelta tocando el violín, pero me dolían los dedos, así que regresé al piano, aunque con el paso del tiempo lo fui dejando. Al llegar a casa, mi hermana menor y yo jugábamos con nuestra casa de muñecas. Lo mejor de ese recuerdo es que aquellas casas eran simples cajas de cartón que pintábamos y apropiábamos a nuestro gusto. Ahora que lo pienso, creo que desde ahí empecé a amar el dibujo y la pintura; como si en mis manos tuviese el poder de crear lo que yo quisiera y traerlo a la realidad. Tal vez por eso siempre buscaba la forma de dibujar o de hacer algo con mis manos. Agradezco que en mi colegio, desde sexto grado, podíamos elegir una especialidad artística. Yo elegí Diseño y una de las mejores cosas que habitaban en esa aula era mi profesor, Cótamo. Él era de esos maestros que en otras instituciones ni dejarían pasar frente a la puerta: sus rastas le llegaban más allá de los muslos, tenía los brazos tatuados y piercings; la “mala imagen” para la norma. Gracias a Dios en mi colegio no hubo problemas con su apariencia, al menos que yo supiera. Antes de él, yo siempre imaginaba que para ser profesora debía usar una bata blanca, tacones, una falda lisa y el pelo recogido, casi engomado —como en una presentación de danzas—, sin un solo pelo fuera de lugar. Algo un poco complicado para una mujer crespa. Gracias a Cótamo y a esa “libertad”, me fue fácil decidirme por el Diseño Gráfico como carrera profesional. Sin embargo, al llegar a la universidad y con la pandemia encima, me encerré en mí misma y terminé haciendo los trabajos sin un alma dentro de mí. Vivía en un estrés y una ansiedad constante por agradar al profesor, persiguiendo el detalle perfecto, sin el más mínimo error. Hubo muchas cosas más que se despertaron y de pronto, traté de ocultar. Pero dejaré que esta historia te las comience a contar. (Texto tomado de la fuente)
Devenir monstrua : perturbaciones de lo femenino
(Universidad Nacional de Colombia, 2026) Cárdenas Rodríguez, Gabriela; Beltrán Caraballo, David Andrés; Schlenker Monsalve, Juana
Esta investigación explora el devenir monstrua como un proceso de resistencia y transgresión frente a la ficción excluyente de lo Humano y al orden falogocéntrico, mediante una metodología autoetnográfica en la que el performance se asume como herramienta vital para reivindicar el cuerpo como archivo vivo y territorio de conocimiento encarnado. Desde la perturbación como apuesta pedagógica, el trabajo recurre a lenguajes como el body horror y lo unheimlich para fracturar la feminidad normativa, concibiendo la monstrua como una sujeta soberana que resignifica su abyección radical como potencia de agencia política. Al asumir el presente del pasado como una fuerza activa en el cuerpo, la investigación propone, finalmente, una humanidad en minúscula (h), entendida como un horizonte relacional basado en la vulnerabilidad compartida, la interdependencia y la fuerza colectiva del aquelarre o la manada. (Texto tomado de la fuente)
Los palacios de la memoria de los yo
(Universidad Nacional de Colombia, 2026-04) Sanabria Rodríguez, Mateo; Vega Ochoa, Miguel Ángel; Rodríguez Reyes, Mary Isbel
Este proyecto de grado se propone como un recorrido a través de los palacios de la memoria con la finalidad de dar cuenta de las múltiples identidades (docente, estudiante y escritor) que puede asumir un individuo dependiendo de los roles o adjetivos que se imponga él mismo o le impongan; constituyendo así a un ser polifónico. Existe una dificultad para comprender y representar cómo las múltiples identidades que conforman a un sujeto inciden en sus prácticas profesionales y creativas; estas últimas relacionadas con el campo de la literatura. Por tanto, surge la necesidad de explorar y visibilizar cómo esas identidades se constituyen y se relacionan entre sí, dando lugar a tensiones, limitaciones y potencias que marcan el quehacer artístico y pedagógico. (Texto tomado de la fuente)
Huellas del terrotorio : en el cuerpo creador
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Rosero Obando, Hector Arnulfo; Muñoz Sánchez, Laura; Vazquéz Rodriguez, William
La creación artística no es un acto aislado, sino una respuesta profunda al interrogante del ¿para qué crear? La narrativa siguiente presenta una inmersión interior, una pausa necesaria donde el cuerpo se permite entrar en reflexión sobre qué danza el cuerpo cuando se detiene a mirarse a sí mismo. Además, incluye cómo las diferentes formas de expresión del arte conjuntas pueden manifestarse a través del cuerpo que siempre se ha encontrado sometido a la naturalidad de las acciones. Una reflexión que va permitiendo el descubrimiento de que su danza no es solo movimiento, sino la manifestación de un territorio que respira a través de él. En la cosmovisión del hombre andino, el cuerpo no es una entidad separada; es un palimpsesto tallado en rocas o en el cuerpo, donde la cosmogonía milenaria ha impreso sus huellas. Tales marcas, incrustadas en dualidades, mitos y ritos, definen una pertenencia que trasciende el tiempo lineal para habitar un espacio-tiempo simbólico y cosmogónico. Ante esto, el cuerpo surge así de la profundidad de los “haceres” y “saberes”, determinando una identidad que se nutre de la herencia territorial y la memoria viva, de lo que lograron sembrar y poseemos como herencia de nuestros ancestros. Es así como, en la asimilación constante, el cuerpo asiente todo conocimiento disperso o repentino y se convierte en un recipiente sagrado, que contiene la belleza del frío del páramo, la majestuosidad de la verticalidad de la montaña y el archivo genético de la herencia territorial. No somos solo materia vagando en el vasto océano del universo. Somos un cuerpo-territorio, un organismo pensante que asiente y siente, transformando el factor geográfico, climático, cultural y cosmogónico en memoria viva. Aquí, la identidad no es un dato, es un tejido de archivos que se despliegan al danzar. Para mis propias consideraciones y la reflexión de las acciones, el concepto de la “naturalidad” que se presenta en ciertos momentos dentro de este texto: el cuerpo no es la ausencia de artificio, sino la comunicación recíproca con la Pachamama. El cuerpo no “imita” a la naturaleza, sino que es naturaleza en estado de danza. La naturalidad presente en las acciones de la vida cotidiana debe entenderse como la recuperación del pulso orgánico (el ritmo del agua, la resistencia de la montaña, la fatiga del viento, la purificación de la lluvia en la tierra preparada con la siembra, u otras más) frente a la mecanización moderna y contemporánea, y la desnaturalización del hombre frente a la globalización e insensibilización del mundo, donde el cuerpo y la presencia ya no están presentes. Para ello, se intenta a lo largo de este proyecto de indagación poner en conocimiento una propuesta pedagógica desde los saberes y haceres e introducir el concepto de cuerpo en procesos formativos colectivos que se relacionan con el entorno, lo que significa leer sus propias “huellas” o cicatrices territoriales como detonantes creativos. El aprendizaje no es solo una acción individual, sino un tejido colectivo que caracteriza que la danza no sea solo técnica y memorización repetitiva, sino un rito de paso donde el material (lo inorgánico) y el cuerpo del danzante (lo orgánico) se transmutan como un organismo viviente vinculado y enmarcado dentro de un conjunto, que conlleva la identidad y pertenencia a un determinado territorio. Es así que huellas del territorio en el cuerpo creador se convierte en una propuesta en indagación de formación artística andina no fragmentada, donde la escucha pueda desarrollarse como pedagogía de la escucha y pedagogía del cuerpo, donde el cuerpo no aprende “pasos”, sino que aprende a “leer” el territorio, interpretar, sentir y pensar como un solo acto, donde la expresión corporal pueda acoplarse dentro de una metodología pedagógica donde el cuerpo es el primer territorio de paz y conocimiento. Lo ritual no es la repetición vacía, sino los conocimientos ancestrales recibidos, que permiten al cuerpo entrar en un estado de “presencia absoluta”. En la pedagogía del cuerpo, se considera que el ritual es el mecanismo de aprendizaje donde la naturaleza (el entorno biótico) y la naturalidad (la fluidez orgánica del ser) se reconcilian. Danzar es ritualizar el gesto cotidiano, permitiendo que el cuerpo sea un canal por donde fluye la energía de la tierra, los estados humanos y la Pachamama. (Texto tomado de la fuente)
La mirada enferma (o el engaño de la imagen)
(Universidad Nacional de Colombia, 2026-02-19) Sáenz Vargas, Mario; Londoño Bernal, Moises; Demmer Colmenares, Federico
La reflexión sobre la mirada contemporánea se vuelve una necesidad urgente en un mundo crecientemente visual y, paradójicamente, anestesiado por la sobreexposición de imágenes. Los medios digitales viralizan contenidos que, en cuestión de instantes, pierden su capacidad de afectar, interpelar y propiciar procesos reflexivos. La velocidad, la homogeneización y la vacuidad de gran parte de estos flujos visuales han erosionado nuestra curiosidad y nuestra capacidad de asombro. Ante este panorama emergen preguntas fundamentales: ¿cómo reeducar la mirada en un contexto saturado de estímulos visuales? ¿Cómo aprender a ver y reconocer el mundo, pero al mismo tiempo recuperar la disposición perceptiva de quien mira por primera vez? ¿Es posible estudiar la visualidad contemporánea y la irrupción de nuevas tecnologías de producción de imágenes desde tiempos distantes y desde oficios que progresivamente han sido desplazados? La mirada, entendida como fenómeno social y como construcción cultural, se tensiona entre la búsqueda exacerbada de una individualidad aparente y la experiencia colectiva de lo visible. Habita en una fractura permanente entre prácticas artísticas y pedagógicas; sin embargo, es precisamente en ella donde se configura el conocimiento y se construyen sentidos sobre un mundo cada vez más estrecho y acelerado. Reconocer y problematizar la propia mirada se vuelve, entonces, un ejercicio indispensable para la construcción de una realidad tanto individual como compartida. Desde esta perspectiva, todo gesto artístico constituye simultáneamente un proceso de conocimiento. Por ello, este proyecto propone un aprendizaje desde la práctica, entendida no como oposición a la teoría, sino como espacio de pensamiento sensible donde el hacer deviene reflexión. La figura de Paul Cézanne, pionero del arte moderno, opera aquí como eje conceptual. Su búsqueda pictórica anticipa la multiplicidad de la imagen contemporánea y plantea la necesidad de transformar el tiempo de la mirada. A través de una interpretación sensible y subjetiva de lo visible, Cézanne cuestiona la idea de una realidad estable y única, invitándonos a reconsiderar su veracidad. En este marco, el proyecto se configura como una propuesta artística articulada mediante un soliloquio ficticio entre “Paul” y “Cézanne”: un diálogo simbólico entre razón e intuición, entre palabra e imagen, entre historia del arte y contemporaneidad. Este dispositivo narrativo permite explorar la mirada como campo de tensión, aprendizaje y transformación. (Texto tomado de la fuente)
Si el huevo se rompe, la vida continua
(Universidad Nacional de Colombia, 2025-09-17) Bravo Ocampo, Valeria; Rodriguez , Maryisbel; Olga Lucia, Cruz Montoya
Este trabajo de grado, de carácter autobiográfico y reflexivo, explora la construcción de la identidad y la subjetividad de una docente-artista a través de la metáfora de las "máscaras" y la práctica de la improvisación teatral. El estudio utiliza la narrativa personal para historizar figuras epistémicas y subjetividades políticas, analizando cómo experiencias de duelo, relaciones de poder familiares y la tradición patriarcal en el contexto colombiano moldean el ejercicio docente. La investigación examina la transición de máscaras protectoras —como la "hija buena" o la "cuidadora"— hacia la consolidación de una máscara "valiente" impulsada por la improvisación teatral como herramienta de liberación y resiliencia. A través de la sistematización de experiencias en el aula y la formación en la Maestría en Educación Artística, se propone la integración de los preceptos de la improvisación (el error como celebración, la horizontalidad y el presente) como una forma de resistencia frente a las lógicas burocráticas y modernas de la educación formal. Se concluye que la ternura y la capacidad de transformación son ejes fundamentales para una pedagogía crítica que permita a docentes y estudiantes reconocerse como sujetos cambiantes, capaces de reconstruirse tras la ruptura. (Texto tomado de la fuente)
Hacerse presente en el aula: gestos transformadores desde la mirada del maestro
(Universidad Nacional de Colombia, 2025-10-20) Bohorquez Villa, Juan Manuel; Muñoz Sánchez, Laura; Vasquez Rodriguiez, William; Gomez, Maria Angelica; Muñoz Sanchez, Laura; Mojica, Juan
Esta investigación reflexiona sobre la noción de presencia como eje ético, pedagógico y estético de la práctica docente en educación artística. A partir de una metodología de carácter autobiográfico y ensayístico, el autor entrelaza relatos de experiencia, laboratorio de taller, creación plástica y trabajo escénico para problematizar las dificultades sistémicas del ejercicio de ser maestro y artista simultáneamente. El estudio propone comprender el aula no solo como un espacio físico de asistencia, sino como un territorio de aparición del cuerpo, la voz y la subjetividad, donde la mirada del maestro puede operar como gesto transformador. Desde perspectivas fenomenológicas y críticas, se plantea que el aprendizaje acontece cuando el estudiante logra hacerse presente a través de su corporalidad, su expresión y su capacidad creadora, restituyendo así su dignidad y agencia. En este sentido, el arte se concibe como práctica de resistencia y posibilidad, capaz de activar procesos de conciencia, sensibilidad y construcción colectiva de sentido. El trabajo concluye que una pedagogía centrada en la presencia —que escuche, observe y acompañe— puede reconfigurar la experiencia escolar como experiencia vital, ética y política. (Texto tomado de la fuente)
Entramado: narrar y moverse en la incertidumbre
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Forero Garzón, Andrés Mateo; Romero Sánchez, Monica Marcell; Rodriguez Reyes, Mary Isbel
Entramado: Narrar y moverse en la incertidumbre no pretende ser una tesis en el sentido convencional y académico, ni como objeto terminado, sino un ejercicio de escritura fragmentaria que, al juntarse en un solo documento —ordenada en una de las millones de formas arbitrarías en que podría ordenarse—, da cuenta de las propuestas pedagógicas de su autor a partir de su propia praxis creativa. Partiendo de la crisis puntual con la escritura de esta tesis, el autor explora su propia trayectoria como escritor, artista, estudiante, profesor y creador para proponer el concepto de "entramado" como una forma de habitar el mundo y su incerteza a través de los vínculos y los relatos, propios y de otros. A través de un diálogo constante con referentes literarios y académicos, puestos en el mismo nivel que las voces de amigos, familia, maestras y estudiantes, mediante la integración de "conversaciones errantes”, el texto se construye como un tejido de voces que deconstruye la noción de autoría individual, y aboga por el reconocimiento del impacto de los otros en la construcción de uno o varios “yo”. Se exploran las potencias de la improvisación y el "errar" como herramientas pedagógicas, artísticas y vitales para transformar la incertidumbre y la ansiedad en apertura y creación. En esencia, este "Entramado" es una invitación a reconocer nuestros talleres, aulas y la vida misma como espacios de error compartido, donde la identidad se narra de múltiples formas y en constante movimiento. El autor hace esta invitación desde la idea de que “solo puedo hablar de mí mismo, pero espero de todo corazón que algo de eso resuene con ustedes”. (Texto tomado de la fuente)
Aflorar: muralismo y apariciones
(Universidad Nacional de Colombia, 2025-10-17) Acosta Rivera, Diana Rocío; Londoño Bernal, Moisés; Vásquez Rodríguez, William; Alejandra Ramírez Avellaneda; Andrés Mateo Forero
Este es un manifiesto multitonal. Danza con la palabra entre el asombro, el poema, la narración y el análisis, desde una intención: explayar el muralismo ritual como taller de apariciones, de creación inagotable de miradas de mundo coloridas y armoniosas. La semilla es una pregunta que, aunque parece banal, se va alimentando de historias, del legado de pensamiento de seres que han ofrendado su camino a luchar desde la sensibilidad y las ideas, en oposición al absurdo de las formas de vivir contemporáneas. Es una pregunta desde mi realidad como sujeto-cuerpo pedagógico y artistístico. Esa intención se mueve en torno a la voz visual primitiva, dispone los sentidos ante las reverberaciones de lo milenario en nuestro hoy. Aquí, el referente crucial es la tradición cultural del Chiribiquete; realizo una lectura de las investigaciones interdisciplinares que allí se han realizado hasta ahora, desde el lugar particular de animal muralista que habita el periodo que quiere ser post-capitalista. Ese reconocimiento de narrativas, análisis y arqueologías de ritos antiguos, y los míos propios, se decanta en el archivo poético de tres gestos que viví en la maestría en educación artística. Ellos son hitos de pensamiento y creación en mi proceso formativo, y me permiten pasar a la reflexión sobre mi experiencia pedagógica directamente en el muralismo colectivo. En el último texto abordo de manera más directa y detallada un asunto transversal en el presente trabajo: “la enfermedad estética”. La forma en que ese taller de miradas nuevas que es el muralismo ritual me permite crear una mirada sobre mi propia condición: el ser una mujer calva hoy, cuando eso se comprende como un lastre; el ojo nuevo es rebelde, es vivo, es amante-animal y es de colores. (Texto tomado de la fuente)
Historias, fragmentos e inventos: lo que florece en el vacío
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) López Baracaldo , Daniela; Triana Morales, Patricia; Demmer Colmenares, Federico
Realicé esta investigación en un intento de conectar con la pasión - mía y de muchas - por contar historias e imaginárnoslas. Este texto es una Historia que no se basa únicamente en archivos o hechos comprobables sino en la potencia vital, creativa y pedagógica de nuestras vidas. En otras palabras, es un texto de Historia que parte de una exploración curiosa y atenta de mi pasión por el pasado y su enseñanza. Partí de una revisión de mi propia tesis de pre-grado en Historia y Antropología para preguntarme por lo que yacía tras mis intereses académicos, aparentemente inocentes y objetivos. Terminé preguntándome por el olvido y del aparente vacío que este deja, para explorar, como historiadora, lo que ocurre con nosotras cuando decidimos enseñar desde lo que hemos olvidado. Esta tesis es una apuesta por pensar distinto lo que tradicionalmente se ha considerado de la Historia, su escritura y su enseñanza para poder hablar del arte de pensarnos el pasado de forma más creativa. Y así, preguntarnos por la creación artística que históricamente le ha sido despojada a la historia y su enseñanza. (Texto tomado de la fuente)
Realidad, memoria y creencia: semillas resonantes
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Ibagón Rodríguez, Daniel Mateo; Muñoz, Laura; Vásquez, William; Andrés Felipe Sánchez Carrillo
Esta tesis, titulada Realidad, Memoria y Creencia: Semillas resonantes, se presenta como una crónica de búsqueda y auto-descubrimiento en el marco de la Maestría en Educación Artística. Partiendo de un acontecimiento disruptivo —la muerte del padre como el "guía principal de la campaña"— el autor utiliza la "congoja" no como un obstáculo, sino como un instrumento metodológico y un lugar de potencia para generar conocimiento encarnado. A través de una metáfora extendida de los videojuegos de rol (RPG), se narra el tránsito del sujeto por la maestría, reconfigurando su "hoja de personaje" mediante la apropiación de conceptos de la pedagogía crítica y el pensamiento de Hugo Zemelman sobre el sujeto activo. El trabajo culmina en un gesto poético y una instalación sonora donde los materiales hablan y el público actúa como co-creador de un paisaje sonoro colectivo. La investigación concluye que la labor del artista-pedagogo en una realidad emocional difusa no es entregar certezas, sino mantener "la forja encendida", validando la incertidumbre para construir la herramienta más poderosa: un criterio propio, resiliente y en constante evolución. (Texto tomado de la fuente)

Examinar

Envíos recientes