Maestría en Educación Artística

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Devenir monstrua : perturbaciones de lo femenino
(Universidad Nacional de Colombia, 2026) Cárdenas Rodríguez, Gabriela; Beltrán Caraballo, David Andrés; Schlenker Monsalve, Juana
Esta investigación explora el devenir monstrua como un proceso de resistencia y transgresión frente a la ficción excluyente de lo Humano y al orden falogocéntrico, mediante una metodología autoetnográfica en la que el performance se asume como herramienta vital para reivindicar el cuerpo como archivo vivo y territorio de conocimiento encarnado. Desde la perturbación como apuesta pedagógica, el trabajo recurre a lenguajes como el body horror y lo unheimlich para fracturar la feminidad normativa, concibiendo la monstrua como una sujeta soberana que resignifica su abyección radical como potencia de agencia política. Al asumir el presente del pasado como una fuerza activa en el cuerpo, la investigación propone, finalmente, una humanidad en minúscula (h), entendida como un horizonte relacional basado en la vulnerabilidad compartida, la interdependencia y la fuerza colectiva del aquelarre o la manada. (Texto tomado de la fuente)
Los palacios de la memoria de los yo
(Universidad Nacional de Colombia, 2026-04) Sanabria Rodríguez, Mateo; Vega Ochoa, Miguel Ángel; Rodríguez Reyes, Mary Isbel
Este proyecto de grado se propone como un recorrido a través de los palacios de la memoria con la finalidad de dar cuenta de las múltiples identidades (docente, estudiante y escritor) que puede asumir un individuo dependiendo de los roles o adjetivos que se imponga él mismo o le impongan; constituyendo así a un ser polifónico. Existe una dificultad para comprender y representar cómo las múltiples identidades que conforman a un sujeto inciden en sus prácticas profesionales y creativas; estas últimas relacionadas con el campo de la literatura. Por tanto, surge la necesidad de explorar y visibilizar cómo esas identidades se constituyen y se relacionan entre sí, dando lugar a tensiones, limitaciones y potencias que marcan el quehacer artístico y pedagógico. (Texto tomado de la fuente)
Huellas del terrotorio : en el cuerpo creador
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Rosero Obando, Hector Arnulfo; Muñoz Sánchez, Laura; Vazquéz Rodriguez, William
La creación artística no es un acto aislado, sino una respuesta profunda al interrogante del ¿para qué crear? La narrativa siguiente presenta una inmersión interior, una pausa necesaria donde el cuerpo se permite entrar en reflexión sobre qué danza el cuerpo cuando se detiene a mirarse a sí mismo. Además, incluye cómo las diferentes formas de expresión del arte conjuntas pueden manifestarse a través del cuerpo que siempre se ha encontrado sometido a la naturalidad de las acciones. Una reflexión que va permitiendo el descubrimiento de que su danza no es solo movimiento, sino la manifestación de un territorio que respira a través de él. En la cosmovisión del hombre andino, el cuerpo no es una entidad separada; es un palimpsesto tallado en rocas o en el cuerpo, donde la cosmogonía milenaria ha impreso sus huellas. Tales marcas, incrustadas en dualidades, mitos y ritos, definen una pertenencia que trasciende el tiempo lineal para habitar un espacio-tiempo simbólico y cosmogónico. Ante esto, el cuerpo surge así de la profundidad de los “haceres” y “saberes”, determinando una identidad que se nutre de la herencia territorial y la memoria viva, de lo que lograron sembrar y poseemos como herencia de nuestros ancestros. Es así como, en la asimilación constante, el cuerpo asiente todo conocimiento disperso o repentino y se convierte en un recipiente sagrado, que contiene la belleza del frío del páramo, la majestuosidad de la verticalidad de la montaña y el archivo genético de la herencia territorial. No somos solo materia vagando en el vasto océano del universo. Somos un cuerpo-territorio, un organismo pensante que asiente y siente, transformando el factor geográfico, climático, cultural y cosmogónico en memoria viva. Aquí, la identidad no es un dato, es un tejido de archivos que se despliegan al danzar. Para mis propias consideraciones y la reflexión de las acciones, el concepto de la “naturalidad” que se presenta en ciertos momentos dentro de este texto: el cuerpo no es la ausencia de artificio, sino la comunicación recíproca con la Pachamama. El cuerpo no “imita” a la naturaleza, sino que es naturaleza en estado de danza. La naturalidad presente en las acciones de la vida cotidiana debe entenderse como la recuperación del pulso orgánico (el ritmo del agua, la resistencia de la montaña, la fatiga del viento, la purificación de la lluvia en la tierra preparada con la siembra, u otras más) frente a la mecanización moderna y contemporánea, y la desnaturalización del hombre frente a la globalización e insensibilización del mundo, donde el cuerpo y la presencia ya no están presentes. Para ello, se intenta a lo largo de este proyecto de indagación poner en conocimiento una propuesta pedagógica desde los saberes y haceres e introducir el concepto de cuerpo en procesos formativos colectivos que se relacionan con el entorno, lo que significa leer sus propias “huellas” o cicatrices territoriales como detonantes creativos. El aprendizaje no es solo una acción individual, sino un tejido colectivo que caracteriza que la danza no sea solo técnica y memorización repetitiva, sino un rito de paso donde el material (lo inorgánico) y el cuerpo del danzante (lo orgánico) se transmutan como un organismo viviente vinculado y enmarcado dentro de un conjunto, que conlleva la identidad y pertenencia a un determinado territorio. Es así que huellas del territorio en el cuerpo creador se convierte en una propuesta en indagación de formación artística andina no fragmentada, donde la escucha pueda desarrollarse como pedagogía de la escucha y pedagogía del cuerpo, donde el cuerpo no aprende “pasos”, sino que aprende a “leer” el territorio, interpretar, sentir y pensar como un solo acto, donde la expresión corporal pueda acoplarse dentro de una metodología pedagógica donde el cuerpo es el primer territorio de paz y conocimiento. Lo ritual no es la repetición vacía, sino los conocimientos ancestrales recibidos, que permiten al cuerpo entrar en un estado de “presencia absoluta”. En la pedagogía del cuerpo, se considera que el ritual es el mecanismo de aprendizaje donde la naturaleza (el entorno biótico) y la naturalidad (la fluidez orgánica del ser) se reconcilian. Danzar es ritualizar el gesto cotidiano, permitiendo que el cuerpo sea un canal por donde fluye la energía de la tierra, los estados humanos y la Pachamama. (Texto tomado de la fuente)
La mirada enferma (o el engaño de la imagen)
(Universidad Nacional de Colombia, 2026-02-19) Sáenz Vargas, Mario; Londoño Bernal, Moises; Demmer Colmenares, Federico
La reflexión sobre la mirada contemporánea se vuelve una necesidad urgente en un mundo crecientemente visual y, paradójicamente, anestesiado por la sobreexposición de imágenes. Los medios digitales viralizan contenidos que, en cuestión de instantes, pierden su capacidad de afectar, interpelar y propiciar procesos reflexivos. La velocidad, la homogeneización y la vacuidad de gran parte de estos flujos visuales han erosionado nuestra curiosidad y nuestra capacidad de asombro. Ante este panorama emergen preguntas fundamentales: ¿cómo reeducar la mirada en un contexto saturado de estímulos visuales? ¿Cómo aprender a ver y reconocer el mundo, pero al mismo tiempo recuperar la disposición perceptiva de quien mira por primera vez? ¿Es posible estudiar la visualidad contemporánea y la irrupción de nuevas tecnologías de producción de imágenes desde tiempos distantes y desde oficios que progresivamente han sido desplazados? La mirada, entendida como fenómeno social y como construcción cultural, se tensiona entre la búsqueda exacerbada de una individualidad aparente y la experiencia colectiva de lo visible. Habita en una fractura permanente entre prácticas artísticas y pedagógicas; sin embargo, es precisamente en ella donde se configura el conocimiento y se construyen sentidos sobre un mundo cada vez más estrecho y acelerado. Reconocer y problematizar la propia mirada se vuelve, entonces, un ejercicio indispensable para la construcción de una realidad tanto individual como compartida. Desde esta perspectiva, todo gesto artístico constituye simultáneamente un proceso de conocimiento. Por ello, este proyecto propone un aprendizaje desde la práctica, entendida no como oposición a la teoría, sino como espacio de pensamiento sensible donde el hacer deviene reflexión. La figura de Paul Cézanne, pionero del arte moderno, opera aquí como eje conceptual. Su búsqueda pictórica anticipa la multiplicidad de la imagen contemporánea y plantea la necesidad de transformar el tiempo de la mirada. A través de una interpretación sensible y subjetiva de lo visible, Cézanne cuestiona la idea de una realidad estable y única, invitándonos a reconsiderar su veracidad. En este marco, el proyecto se configura como una propuesta artística articulada mediante un soliloquio ficticio entre “Paul” y “Cézanne”: un diálogo simbólico entre razón e intuición, entre palabra e imagen, entre historia del arte y contemporaneidad. Este dispositivo narrativo permite explorar la mirada como campo de tensión, aprendizaje y transformación. (Texto tomado de la fuente)
Si el huevo se rompe, la vida continua
(Universidad Nacional de Colombia, 2025-09-17) Bravo Ocampo, Valeria; Rodriguez , Maryisbel; Olga Lucia, Cruz Montoya
Este trabajo de grado, de carácter autobiográfico y reflexivo, explora la construcción de la identidad y la subjetividad de una docente-artista a través de la metáfora de las "máscaras" y la práctica de la improvisación teatral. El estudio utiliza la narrativa personal para historizar figuras epistémicas y subjetividades políticas, analizando cómo experiencias de duelo, relaciones de poder familiares y la tradición patriarcal en el contexto colombiano moldean el ejercicio docente. La investigación examina la transición de máscaras protectoras —como la "hija buena" o la "cuidadora"— hacia la consolidación de una máscara "valiente" impulsada por la improvisación teatral como herramienta de liberación y resiliencia. A través de la sistematización de experiencias en el aula y la formación en la Maestría en Educación Artística, se propone la integración de los preceptos de la improvisación (el error como celebración, la horizontalidad y el presente) como una forma de resistencia frente a las lógicas burocráticas y modernas de la educación formal. Se concluye que la ternura y la capacidad de transformación son ejes fundamentales para una pedagogía crítica que permita a docentes y estudiantes reconocerse como sujetos cambiantes, capaces de reconstruirse tras la ruptura. (Texto tomado de la fuente)
Hacerse presente en el aula: gestos transformadores desde la mirada del maestro
(Universidad Nacional de Colombia, 2025-10-20) Bohorquez Villa, Juan Manuel; Muñoz Sánchez, Laura; Vasquez Rodriguiez, William; Gomez, Maria Angelica; Muñoz Sanchez, Laura; Mojica, Juan
Esta investigación reflexiona sobre la noción de presencia como eje ético, pedagógico y estético de la práctica docente en educación artística. A partir de una metodología de carácter autobiográfico y ensayístico, el autor entrelaza relatos de experiencia, laboratorio de taller, creación plástica y trabajo escénico para problematizar las dificultades sistémicas del ejercicio de ser maestro y artista simultáneamente. El estudio propone comprender el aula no solo como un espacio físico de asistencia, sino como un territorio de aparición del cuerpo, la voz y la subjetividad, donde la mirada del maestro puede operar como gesto transformador. Desde perspectivas fenomenológicas y críticas, se plantea que el aprendizaje acontece cuando el estudiante logra hacerse presente a través de su corporalidad, su expresión y su capacidad creadora, restituyendo así su dignidad y agencia. En este sentido, el arte se concibe como práctica de resistencia y posibilidad, capaz de activar procesos de conciencia, sensibilidad y construcción colectiva de sentido. El trabajo concluye que una pedagogía centrada en la presencia —que escuche, observe y acompañe— puede reconfigurar la experiencia escolar como experiencia vital, ética y política. (Texto tomado de la fuente)
Entramado: narrar y moverse en la incertidumbre
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Forero Garzón, Andrés Mateo; Romero Sánchez, Monica Marcell; Rodriguez Reyes, Mary Isbel
Entramado: Narrar y moverse en la incertidumbre no pretende ser una tesis en el sentido convencional y académico, ni como objeto terminado, sino un ejercicio de escritura fragmentaria que, al juntarse en un solo documento —ordenada en una de las millones de formas arbitrarías en que podría ordenarse—, da cuenta de las propuestas pedagógicas de su autor a partir de su propia praxis creativa. Partiendo de la crisis puntual con la escritura de esta tesis, el autor explora su propia trayectoria como escritor, artista, estudiante, profesor y creador para proponer el concepto de "entramado" como una forma de habitar el mundo y su incerteza a través de los vínculos y los relatos, propios y de otros. A través de un diálogo constante con referentes literarios y académicos, puestos en el mismo nivel que las voces de amigos, familia, maestras y estudiantes, mediante la integración de "conversaciones errantes”, el texto se construye como un tejido de voces que deconstruye la noción de autoría individual, y aboga por el reconocimiento del impacto de los otros en la construcción de uno o varios “yo”. Se exploran las potencias de la improvisación y el "errar" como herramientas pedagógicas, artísticas y vitales para transformar la incertidumbre y la ansiedad en apertura y creación. En esencia, este "Entramado" es una invitación a reconocer nuestros talleres, aulas y la vida misma como espacios de error compartido, donde la identidad se narra de múltiples formas y en constante movimiento. El autor hace esta invitación desde la idea de que “solo puedo hablar de mí mismo, pero espero de todo corazón que algo de eso resuene con ustedes”. (Texto tomado de la fuente)
Aflorar: muralismo y apariciones
(Universidad Nacional de Colombia, 2025-10-17) Acosta Rivera, Diana Rocío; Londoño Bernal, Moisés; Vásquez Rodríguez, William; Alejandra Ramírez Avellaneda; Andrés Mateo Forero
Este es un manifiesto multitonal. Danza con la palabra entre el asombro, el poema, la narración y el análisis, desde una intención: explayar el muralismo ritual como taller de apariciones, de creación inagotable de miradas de mundo coloridas y armoniosas. La semilla es una pregunta que, aunque parece banal, se va alimentando de historias, del legado de pensamiento de seres que han ofrendado su camino a luchar desde la sensibilidad y las ideas, en oposición al absurdo de las formas de vivir contemporáneas. Es una pregunta desde mi realidad como sujeto-cuerpo pedagógico y artistístico. Esa intención se mueve en torno a la voz visual primitiva, dispone los sentidos ante las reverberaciones de lo milenario en nuestro hoy. Aquí, el referente crucial es la tradición cultural del Chiribiquete; realizo una lectura de las investigaciones interdisciplinares que allí se han realizado hasta ahora, desde el lugar particular de animal muralista que habita el periodo que quiere ser post-capitalista. Ese reconocimiento de narrativas, análisis y arqueologías de ritos antiguos, y los míos propios, se decanta en el archivo poético de tres gestos que viví en la maestría en educación artística. Ellos son hitos de pensamiento y creación en mi proceso formativo, y me permiten pasar a la reflexión sobre mi experiencia pedagógica directamente en el muralismo colectivo. En el último texto abordo de manera más directa y detallada un asunto transversal en el presente trabajo: “la enfermedad estética”. La forma en que ese taller de miradas nuevas que es el muralismo ritual me permite crear una mirada sobre mi propia condición: el ser una mujer calva hoy, cuando eso se comprende como un lastre; el ojo nuevo es rebelde, es vivo, es amante-animal y es de colores. (Texto tomado de la fuente)
Historias, fragmentos e inventos: lo que florece en el vacío
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) López Baracaldo , Daniela; Triana Morales, Patricia; Demmer Colmenares, Federico
Realicé esta investigación en un intento de conectar con la pasión - mía y de muchas - por contar historias e imaginárnoslas. Este texto es una Historia que no se basa únicamente en archivos o hechos comprobables sino en la potencia vital, creativa y pedagógica de nuestras vidas. En otras palabras, es un texto de Historia que parte de una exploración curiosa y atenta de mi pasión por el pasado y su enseñanza. Partí de una revisión de mi propia tesis de pre-grado en Historia y Antropología para preguntarme por lo que yacía tras mis intereses académicos, aparentemente inocentes y objetivos. Terminé preguntándome por el olvido y del aparente vacío que este deja, para explorar, como historiadora, lo que ocurre con nosotras cuando decidimos enseñar desde lo que hemos olvidado. Esta tesis es una apuesta por pensar distinto lo que tradicionalmente se ha considerado de la Historia, su escritura y su enseñanza para poder hablar del arte de pensarnos el pasado de forma más creativa. Y así, preguntarnos por la creación artística que históricamente le ha sido despojada a la historia y su enseñanza. (Texto tomado de la fuente)
Realidad, memoria y creencia: semillas resonantes
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Ibagón Rodríguez, Daniel Mateo; Muñoz, Laura; Vásquez, William; Andrés Felipe Sánchez Carrillo
Esta tesis, titulada Realidad, Memoria y Creencia: Semillas resonantes, se presenta como una crónica de búsqueda y auto-descubrimiento en el marco de la Maestría en Educación Artística. Partiendo de un acontecimiento disruptivo —la muerte del padre como el "guía principal de la campaña"— el autor utiliza la "congoja" no como un obstáculo, sino como un instrumento metodológico y un lugar de potencia para generar conocimiento encarnado. A través de una metáfora extendida de los videojuegos de rol (RPG), se narra el tránsito del sujeto por la maestría, reconfigurando su "hoja de personaje" mediante la apropiación de conceptos de la pedagogía crítica y el pensamiento de Hugo Zemelman sobre el sujeto activo. El trabajo culmina en un gesto poético y una instalación sonora donde los materiales hablan y el público actúa como co-creador de un paisaje sonoro colectivo. La investigación concluye que la labor del artista-pedagogo en una realidad emocional difusa no es entregar certezas, sino mantener "la forja encendida", validando la incertidumbre para construir la herramienta más poderosa: un criterio propio, resiliente y en constante evolución. (Texto tomado de la fuente)
Articular: entre la voz y el silencio
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Ramírez Avellaneda, Alejandra; Triana, Patricia; Vásquez, William
Articular: entre la voz y el silencio despliega las capas del silencio que atraviesan las experiencias de la autora. Para esto, se hace un ejercicio de historización que reconoce los orígenes de una mudez configurada por: un contexto familiar y social que impulsa la vocación de servicio; la identidad construida de una mujer fuerte que no se permite la vulnerabilidad; el paso por la academia literaria que prioriza la autoridad externa sobre la voz propia; y un entorno laboral en el sector público, cada vez más precarizado, en el que se ha olvidado alzar la voz. A través de un tejido de tres voces —la palabra de otras autoras que abren el camino, la voz poética propia que resuena en respuesta a ellas y una voz reflexiva que decanta la experiencia pedagógica—, el trabajo conecta estas vivencias íntimas con una dimensión sistémica. La propuesta hilvana un recorrido que parte de la identificación de esos silencios hacia una articulación que nace en lo cotidiano, en el encuentro genuino con otrxs, en la lectura ritual y en el retorno al cuerpo a través de la danza contemporánea. Finalmente, esta historización de los silencios personales, sumada al reconocimiento de las experiencias fuera de lo institucional, permite la fundación de una nueva aula; un espacio que excede los límites institucionales para reconocer lo cotidiano y el encuentro con amigxs y colegas como espacios pedagógicos posibles. En este cambio de paradigma, el sujeto que habita bajo la figura de "artista formadora" surge finalmente para habitar, proponer y crear; un proceso donde, tras desarmar los nudos del silencio, aparece inevitablemente la voz para tejer un entramado colectivo de resistencia y escucha. (Texto tomado de la fuente)
Tesitura de los cuerpos en resonancia
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Quintero Londoño, Edgar Alexander; Muñoz Sánchez, Laura; Demmer Colmenares, Federico
«Tesitura de los cuerpos en resonancia» es un viaje personal que cuestiona la educación musical desde el encuentro íntimo con una guitarra olvidada en el desván de mi infancia. A partir de esa experiencia, cuestiono cómo la formación tradicional sacraliza la técnica y excluye a quienes no se ajustan a sus reglas. Frente a esto, propongo el concepto de «tesitura» como el rango vital único de cada persona —su cuerpo, su historia, su modo de resonar— y lo convierto en el corazón de una pedagogía del encuentro. Esta propuesta se materializó en una instalación sonora interactiva que recreó aquel espacio de descubrimiento secreto, invitando a otros a explorar sonidos sin técnicas ni partituras, solo con la curiosidad del cuerpo y la escucha compartida. Concluyo que la educación musical debe ser un territorio de cuidado donde todas las voces, incluso las más temblorosas, tengan derecho a sonar. Porque la música, más que notas perfectas, es el sonido que nace cuando un ser humano vibra con otro. (Texto tomado de la fuente)
Corporrelatos: El cuerpo como archivo de memoria
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Barrera Aldana, Marcy Paola; Cruz Montoya , Olga Lucia; Rodriguez Reyes , Mary Isbel
“Corporrelatos, el cuerpo como archivo de memoria” es un espacio que cobra vida tras preguntarme por mis propias congojas, por mis silencios y por esos dolores ocultos que no se han podido liberar y como los mismos configuran cada etapa de mi vida, esta búsqueda me lleva a la necesidad de explorar espacios y tejer herramientas metodológicas para aquellos sujetos que han sido reprimidos y violentados a lo largo de su vida, para aquellos que han sido silenciados y que no han podido canalizar su dolor, no han podido verter aquello que les inquieta, que les duele, que les impide ser libres de su propia congoja y cómo el cuerpo se convierte en un contenedor de emociones que no nos han enseñado a controlar y me pregunto ¿por qué en las instituciones educativas nos enseñan a sumar, restar, escribir, leer y analizar, pero no nos enseñan a sanar las heridas del alma? Es por ello que propongo el corporrelato como una ruta metodológica para reconocer la cicatriz, rememorar la experiencia vivida, narrarla y así facilitar la liberación del dolor reprimido a través de prácticas expresivas, un espacio para preguntarnos por el cuerpo, por las emociones y por las múltiples memorias que habitan en nuestra piel. (Texto tomado de la fuente).
Develaciones de la Bogotá olvidada, las dimensiones imaginarias
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Viancha Adame, Daniela Margarita; Triana Morales, Clara Patricia; Vasquez Rodriguez, William
El siguiente trabajo explora los procesos de enseñanza y aprendizaje marcados por la violencia estructural en el sistema de transporte público masivo de Bogotá, combinando una mirada colectiva y personal experiencial permeada por mi condición de diseñadora industrial. A través del símbolo de “la jaula de oro”, se analizan los espacios de movilidad urbana como escenarios de exclusión, resistencia y silenciamiento. El estudio realiza un análisis de cuatro hitos clave en la evolución del transporte urbano en Bogotá: la implementación del tranvía de tracción mecánica (1908), la introducción de la primera flota de trolebuses (1948), la creación de la Empresa Distrital de Transporte Urbano (EDTU) en 1959, y la inauguración de la primera etapa del sistema TransMilenio en el año 2000. Este recorrido permite develar dimensiones ocultas en la construcción del imaginario colectivo en torno a la ciudad. El trabajo se enmarca en una narrativa personal que toma como punto de partida una experiencia vivida junto a mi abuela. Esta perspectiva íntima y generacional habilita una lectura sensible de Bogotá, en la que se entretejen memorias, afectos y experiencias compartidas. En este contexto, se concibe el sistema de transporte público como un aula no convencional: un espacio dinámico donde se generan aprendizajes significativos en medio de contextos de violencia cotidiana. El concepto de “la jaula de oro” funciona como una metáfora del espacio simbólico compartido con mi abuela, desde el cual emergen múltiples ciudades de Bogotá olvidadas, pero vivas en la memoria colectiva. Como resultado, se propone una caja de herramientas pedagógicas fundamentada en la concientización y el cuerpo como eje metodológico. A través de prácticas artísticas, visibiliza las experiencias de las mujeres sin revictimizarlas y promueve la transformación del entorno cotidiano mediante la reflexión crítica. Así, el movimiento corporal y la mirada se convierten en medios sensibles para una transformación individual y social desde la educación artística orientadas a brindar consuelo y propiciar el diálogo intergeneracional. (Texto tomado de la fuente)
Mujer Tierra. Niña Hoguera: De infancias, narraciones y transformaciones
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Pulido Castellanos, Damaris Carolina; Londoño Bernal , Moisés; Rodríguez Reyes , Mary Isbel
Es una investigación que pone en el centro la violencia entendida como fenómeno social, se analiza en el contexto de las infancias de una familia campesina de la zona del Gualiva - Cundinamarca en dos instituciones principales la familia y la escuela, a través de narraciones orales, convirtiendo el proceso de escritura de un ejercicio alquímico que permite pensar - sentir - hacer desde múltiples Lenguajes artísticos respondiendo a una pregunta fundamental ¿Qué artista profesora soy?. (Texto tomado de la fuente)
Experiencias del arte en blanco y verde: revelando las singularidades del arte desde El Cocuy, Boyacá
(Universidad Nacional de Colombia, 2025-09-08) Núñez Muñoz , Catherine Nicole; Rodriguez Reyes , Mary Isbel; Triana Morales , Clara Patricia
Esta investigación explora la construcción de la mirada artística, rastreando su origen en las experiencias formativas y el paisaje cultural de El Cocuy, Boyacá. Mediante una etnografía afectiva y visual, se analiza el “Cuarto de San Alejo” como un archivo ampliado y los “chécheres” (objetos cotidianos) como dispositivos de memoria. El estudio articula la experiencia personal —desde “mirar por la hendija” hasta la formación académica— con el análisis conceptual de umbrales de conocimiento como la casa, el taller y la escuela. Los resultados revelan que la mirada es una construcción simbólica influida por el territorio, la memoria afectiva y los objetos, la cual entra en tensión con los saberes legitimados por la academia. Se concluye que una pedagogía de la mirada debe enfocarse en la deconstrucción, reconociendo y liberando las lógicas subjetivas que configuran la percepción de cada individuo y validando los saberes populares y afectivos como ejes de la educación artística. (Texto tomado de la fuente)
El canto silencioso de nuestros recuerdos : reconstruyendo identidad a través del archivo tímbrico
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Urrego Ortiz, Ángel Matías; Vásquez Rodríguez, William; Londoño Bernal, Moisés
Esta investigación es una compilación de experiencias y didácticas vividas por un artista y profesor que se encuentra en la búsqueda constante de lo que en este trabajo llamaremos Timbre Vital, concepto que utilizaremos para hablar sobre la identidad sonora de un sujeto. Para lograrlo, se propone una metodología enfocada en la enseñanza del canto, la cual utiliza las memorias como materia prima para la investigación. De esta propuesta surgen dos conceptos clave: el Archivo Tímbrico, cuya elaboración permite vincular las músicas o el paisaje sonoro con los recuerdos que habitan en el intérprete-investigador, creando así una doble vía donde los sonidos evocan memorias y a su vez las memorias evocan sonidos. El otro concepto clave es la Resonancia de Hilo, que nos permite analizar la influencia de las personas que nos han acompañado a lo largo de nuestras vidas en el sujeto que somos actualmente, gracias al estudio de las músicas o los sonidos que hemos compartido con ellas en el pasado. La necesidad de crear este método radica en que los modelos de educación artística que brinda la academia actualmente han generado un ocultamiento sistemático del sujeto. En dichos modelos, al intérprete se le enseña únicamente el desarrollo técnico de las habilidades musicales, anulando así las subjetividades propias del archivo que atraviesa la vida de cada estudiante. Como resultado, se forman artistas carentes de un sonido propio. En este trabajo compartiré las experiencias y estrategias que he encontrado a lo largo de mi búsqueda por un timbre propio. con la esperanza de que puedan llegar a ser útiles para el lector y que lo acerquen un poco más a encontrar su Timbre vital (Texto tomado de la fuente).
Expediciones a lo real de la botánica : antídotos contra la indiferencia vegetal
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Romero Morera, Fabio Alfonso; Vásquez Rodríguez, William; Londoño Bernal, Moisés
La ceguera vegetal es la tendencia a ignorar la presencia de plantas en el entorno cotidiano. Partiendo del cambio de la palabra “ceguera” por “indiferencia”, se proponen una serie de expediciones que aborden esta problemática desde la subjetividad, la escucha y la apertura al diálogo a través del registro simbólico alrededor de las plantas. El arte y la literatura son algunos de los lugares de estudio en los que poco a poco vamos encontrando fantasmas, trayendo registros de la memoria y acercándonos a la afectación hasta llegar a lo Real, el registro de lo que no se puede nombrar ni expresar con palabras. De aquí se desprenden una serie de reflexiones y propuestas metodológicas para que en las aulas científicas el contenido científico se alinee con la imagen y la palabra, de manera que el sujeto pueda encontrar un nuevo lugar de enunciación (Texto tomado de la fuente).
Cuerpo y conciencia desanudándose en el espacio escolar
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Arévalo Gómez, Claudia Patricia; Vasquez Rodriguez, William; Cruz, Olga Lucía
Resumen El proyecto de investigación desarrollado en el programa de maestría en educación artística de la Universidad Nacional de Colombia titulado: Cuerpo y conciencia desanudándose en el espacio escolar, es una reflexión sobre mi experiencia como artista de danza y profesora de educación artística, explorando el cuerpo como el centro de la práctica pedagógica y artística. A través del recorrido, analizo cómo el cuerpo se convierte en un espacio de encuentro, reflexión y transformación, tanto en la práctica docente como en el proceso artístico. En particular, hay una mirada hacia los "anudamientos" emocionales, familiares, sociales y cómo al transitarlos con la danza se pueda permitir desanudarlos o reinterpretarlos. Además, se resalta la importancia de la danza como un proceso de aprendizaje continuo, que va más allá del movimiento físico, abarcando también la memoria, la historia y la resistencia (Texto tomado de la fuente).
El arte de la distancia
(Universidad Nacional de Colombia, 2025) Cogua Abadía, Sebastián Ricardo; Demmer Colmenares, Federico Guillermo; Londoño Bernal, Moisés
Mi investigación es sobre la distancia, esta distancia que nos encuentra en todo lo que hacemos, no solo como educadores y artistas sino en cada faceta de nuestras vidas. Hay muchas formas de ver y entender la distancia, está la distancia física la cual la encontramos cuando por devenires de la vida un ser querido decide marcharse lejos para encontrar un futuro mejor, también cuando una persona ya no se encuentra en este plano corporal. También hay distancia emocional que una o varias personas toman por desdén hacia otra o simplemente para no perderse a sí mismos. Una parte importante de esta investigación es la distancia entre personas. No solo se aumenta la distancia, sino que también se reduce, es fundamental investigar cuando las personas deciden reducir su distancia y como las habita esto para su vida. La distancia no solo se puede dar frente a otras personas sino con uno mismo ¿Como nos distanciamos de lo que creemos que somos para obtener perspectiva y revisarnos, investigarnos? Las distancias pueden habitarnos desde los oficios, como artistas podemos distanciarnos de nuestras creaciones para detenernos a investigar nuestros sentimientos hacia estos. La distancia también puede ser algo que el mundo nos impone, teniendo que ser personas funcionales en este mundo capitalista, el cual evita que podamos dedicar a nuestro arte y a nuestras pasiones el tiempo y dedicación que quisiéramos. Siento que esta investigación sobre la distancia puede llevarnos a entender mucho mejor las prácticas pedagógicas de la academia y de nosotros mismos, entender esta distancia entre el profesor y el estudiante conllevará a repensarnos la educación. Rancière en su texto explica cómo la distancia entre el profesor y el estudiante es la explicación, esta idea fue la inspiradora para esta investigación, pero ahora entiendo que hay mucho más que eso, y por eso ahora me repienso a mí mismo desde la distancia. La distancia nos da perspectiva, no ayuda a pensarnos y repensarnos, es importante poder tomar distancia y reducirla a discreción para observar muchas perspectivas diferentes, perspectivas que son la base de la investigación. Distancia para repensarnos, distancia para historizarnos, para crear archivo y memoria, para definir la experiencia (Texto tomado de la fuente).

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